Рецензии
РецензияКсении Антоновой
НЕБО НАД ЛОС-АНДЖЕЛЕСОМ
Один оратор произносит свою речь громко, ярко, сдобряя ее шутками и «телеграммками» к аудитории. Его невозможно не слушать, им нельзя не увлечься – а ему трудно нам не надоесть. Другой же уверен: если говорить тише – больше услышат. И правда, зал замолкает и ловит каждое его слово. Его аудитория и благодарна, и жестока: если усилия ее напрасны, она либо уйдет, либо заснет. Как видно, этот стиль сопряжен с вполне понятным риском, но Виму Вендерсу нужен зритель, активно воспринимающий его творение, пришедший в кинотеатр за неким смыслом, а не из праздного любопытства. И дело тут не в «количестве» аудитории, а в ее «качестве».
Осколки «американской мечты» пусть и кажутся поначалу чуждыми, однако довольно скоро (стараниями активно внимающего сознания) превращаются в осколки мечты израильской, а затем (после недолгого ассоциативного ряда) и мечты русской. При желании можно проводить множество параллелей с проблемами и иммигрантов, и нищеты, и борьбы с терроризмом, и инвалидов войны. В каждой стране будут свои акценты, от которых суть, впрочем, меняется мало. В Америке нищий араб ходит за едой в христианский приют – абсурд, в общем-то, если не вспомнить русско-афганских ребятишек, прочесывающих Московский метрополитен со словами: «Помогите, Христа ради».
Вим Вендерс наделен редким чувством раскола в обществе и умением отразить этот раскол не в мировых войнах, а в маленьких человеческих (или не совсем человеческих…) историях. И сращивать эту общую рану Вендерс будет тоже не государственными пактами, а теплом и взаимопониманием своих персонажей – и ведь так оно намного прочнее. В общем-то, «Земля изобилия», кажется, выполнена по одному эскизу с «Небом над Берлином», разве что раскрашена не в желто-коричневые тона, а в звездно-синюю полоску, но почерк, старательно выводивший “Als das Kind Kind war…” («когда ребенок был ребенком»),остался неизменным.
НЕБО НАД ЛОС-АНДЖЕЛЕСОМ
Один оратор произносит свою речь громко, ярко, сдобряя ее шутками и «телеграммками» к аудитории. Его невозможно не слушать, им нельзя не увлечься – а ему трудно нам не надоесть. Другой же уверен: если говорить тише – больше услышат. И правда, зал замолкает и ловит каждое его слово. Его аудитория и благодарна, и жестока: если усилия ее напрасны, она либо уйдет, либо заснет. Как видно, этот стиль сопряжен с вполне понятным риском, но Виму Вендерсу нужен зритель, активно воспринимающий его творение, пришедший в кинотеатр за неким смыслом, а не из праздного любопытства. И дело тут не в «количестве» аудитории, а в ее «качестве».
Осколки «американской мечты» пусть и кажутся поначалу чуждыми, однако довольно скоро (стараниями активно внимающего сознания) превращаются в осколки мечты израильской, а затем (после недолгого ассоциативного ряда) и мечты русской. При желании можно проводить множество параллелей с проблемами и иммигрантов, и нищеты, и борьбы с терроризмом, и инвалидов войны. В каждой стране будут свои акценты, от которых суть, впрочем, меняется мало. В Америке нищий араб ходит за едой в христианский приют – абсурд, в общем-то, если не вспомнить русско-афганских ребятишек, прочесывающих Московский метрополитен со словами: «Помогите, Христа ради».
Вим Вендерс наделен редким чувством раскола в обществе и умением отразить этот раскол не в мировых войнах, а в маленьких человеческих (или не совсем человеческих…) историях. И сращивать эту общую рану Вендерс будет тоже не государственными пактами, а теплом и взаимопониманием своих персонажей – и ведь так оно намного прочнее. В общем-то, «Земля изобилия», кажется, выполнена по одному эскизу с «Небом над Берлином», разве что раскрашена не в желто-коричневые тона, а в звездно-синюю полоску, но почерк, старательно выводивший “Als das Kind Kind war…” («когда ребенок был ребенком»),остался неизменным.
0
РецензияНатальи Осиповой
Кинг Конг жил, Кинг Конг жив, Кинг Конг будет жить.
Когда-то это была любовь. Посмотрев в пубертатный период «Кинг Конга» 1976 года выпуска, автор этих строк заливалась слезами и мечтала о встрече с чудо-обезьяной, с детской непосредственностью считая, что сможет спасти Кинг Конга от гибели. Много воды утекло с тех пор. И вот уже на экраны выходит другой «Кинг Конг». От обладателя «Оскара» Питера Джексона. С Наоми Уоттс, Джеком Блэком и Эдриеном Броуди в главных ролях. Широкомасштабный, захватывающий, насыщенный спецэффектами блокбастер с бюджетом, превышающим двести миллионов долларов. Фильм, который будет три часа держать в напряжении зрителей.
1933 год. Нью-Йорк. Великая депрессия. Режиссер Карл попадает в опалу к сотрудникам студии, на которой снимает фильм, но сдаваться не собирается. Единственный выход – погрузить аппаратуру и актеров на корабль и уплыть снимать натуру, пока кредиторы не схватили. Но у него проблема – актриса на роль главной героини отказалась от съемок. И в это момент он встречает молодую актрису Энн, оставшуюся без работы. Карл уговаривает Энн сняться в фильме. Корабль поднимает якорь. Приключения начинаются.
Вместо Сингапура, обещанного группе, Карл собирается проводить съемки на неизведанном острове Черепа. Авантюрист и мечтатель даже не представляет, чем обернется для всех это путешествие. Ведь остров Черепа населяют племена дикарей, динозавры, бронтозавры и всякие другие ползующие, ходящие, летающие и плавающие твари, смотреть на которых и страшно, и противно, и интересно. А самое главное на острове есть хозяин – гигантская обезьяна, великий и могучий Кинг Конг, восьмое чудо света. Именно ему дикари приносят в жертву красивых девушек. Очередной жертвой гориллы должна стать Энн.
Впрочем, довольно о сюжете. Зрители, смотревшие старые фильмы про Кинг Конга, вряд ли узнают что-то новое. А зрителей, никогда не слышавших о данной истории, лучше пощадить и дать им возможность насладиться похождениями героев и любовными историями. Пусть попробуют предугадать финал.
Так же совершенно не хочется обращать внимание на некоторые недочеты, присутствующие практически в любой киноленте. Фильм настолько хорош, что считать мелкие детали, которые не могли произойти в реальной жизни или придираться к чему-то, просто грешно.
А вот подчеркнуть достоинства этой фантастической ленты представляется мне просто обязательным. Во-первых и в-главных, это потрясающие съемки. Схватки нашего гиганта с огромными ящурами, бегство толпы от динозавров, ползающие твари, набрасывающиеся на людей, разбрасываемые обезьяной автомобили. Что бы перечислить все сцены, при просмотре которых зритель не только не сможет оторваться от экрана, но и будет чувствовать себя в гуще событий, не хватит и страницы. Питер Джексон, показавший мастер класс в эпопее «Властелин колец», в «Кинг Конге» превзошел самого себя. Во-вторых, нежная трогательная любовная история, кричащая, что любовь может изменить любого, даже, казалось бы, бездушного монстра, что любовь может возвысить, а может и убить, но все равно «любовь стоит того, чтобы ждать». В-третьих, это философское сопоставление джунглей большого города и джунглей неизвестного острова. И, в каком из этих мест, законы выживания более жестоки, стоит еще подумать. По-крайней мере, думающий зритель обязательно задастся этим вопросом. В-четвертых, точно переданная атмосфера тридцатых годов. В-пятых, отличная игра актеров. В-шестых, в-седьмых и так далее. Можно найти еще очень много плюсов. Но излишне надоедать потенциальному зрителю подробностями, если можно сделать кратенькое резюме.
Фильм удался. Зрители увидят мощное, захватывающее действо, в котором, кроме шикарнейших спецэффектов присутствуют и интересный сюжет, и даже некоторые размышления о жизни нашей бренной.
Приятного просмотра, дамы и господа!
P.S. Маэстро, а не собираетесь ли Вы порадовать публику и снять новый «Кинг Конг жив»?
0
РецензияФедора Хром
НЕОБХОДИМЫЙ МИНИМУМ И НИЧЕГО БОЛЬШЕ
Социальная фантастика в кино существовала во все время, но, пожалуй, именно в последние пять лет этот жанр достиг своего расцвета, как по количеству выходящих на экране кинотеатров картин, так и по объёмам вкладываемых средств. Серьёзную конкуренцию модному направлению могут составить разве что комиксы, с конца предыдущего века также достигшие широкого размаха с точки зрения популярности и спроса. «Эон Флакс» – очередной фантастический фильм без привлечения космических кораблей и восставших роботов, но с участием «совершенного» общества будущего в полном составе. Как и все прочие, с претензией на оригинальность. Однако каждый раз внести что-то радикально новое становится всё более и более сложно. Существенные различия наблюдаются, пожалуй, только в уровне режиссуры, складности однотипных сюжетов и в каких-то мелких деталях. А вот спецэффекты с применением самых последних технологии – дело совершенно обыденное.
Произведение начинающего режиссёра Карина Кусамы, разумеется, в плане графики ничем своим предшественникам не уступает. Во многом благодаря сильной работе куда более опытного оператора Стюарта Драйберга. Особенной похвалы он заслуживает за умение в равной степени красиво снимать как акробатические трюки, в большей степени сосредоточенные в первой трети фильма, так и технологические элементы, преобладающие после получаса. Это на самом деле большое искусство. Так как, например, коллеге Драйберга Луису Летерье в «Перевозчике» всевозможными прыжками и падениями блестяще удалось изобразить настоящий цирк, а вот вооружённые бои выглядели более просто. Но с другой стороны, до несправедливо незамеченного массами «Эквилибриума» режиссёра Курта Уиммера «Эон Флакс» тоже очень далеко. Сопоставимого уровня изящества Кусаме с Драйбергом достичь не удалось, равно как и хотя бы повторить революцию в огнестрельных битвах, надо полагать, ставших три года назад личной гордостью оператора Диона Биби. Впрочем, на мой взгляд, в большей степени в этом виноват режиссёр, в силу небольшого опыта не сумевший создать своего собственного уникального стиля. Пределом стилистики стала причёска Шарлиз Терон.
Зато Кусама, как и требуется в картине такого жанра, здорово изобразил несколько технологических новинок. Как никак, на дворе 25-й век, так что без прогресса обойтись не могло. Отзывающиеся на свист шарики, складная винтовая лестница и, самое главное, вторая пара рук вместо ног для повышенной проходимости сложных боевых участков заставляют закрыть глаза на отсутствие внятной концепции общего дизайна. Но есть и такие моменты, от которых становилось почти дурно. Речь о пистолетах, позаимствованных из арсенала Бэтмена и трогательной прощальной для хранителя ДНК сцены, под копирку слизанная с «Уличного Бойца», который в свою очередь и сам ещё в 1994 году был очень добротным подбором приторных банальностей. Впрочем, будучи откровенно честным, можно вообще сказать, что «Эон Флакс» разваливается на отдельные куски, оставляет много вопросов и не смотрится целостной картиной.
Хотя за отсутствие необходимого для зрителя количества ответов пинать следует сценаристов, коих по модной нынче тенденции набралось трое. В знак протеста против бестолкового перебора пишущих сотрудников не стану перечислять их фамилии, потому как всегда нахожусь в затруднительном положении, если очередную строчку надо целиком отдать под длинный перечень имён. Центральная идея сценария, которая может быть описана в двух предложениях, получилась неожиданной и интересной. А вот отношение к создавшейся ситуации ряда главных персонажей вызывает некоторый скепсис, потому как в ряде эпизодов всё могло быть решено значительно проще, в то время как в некоторых других не могло быть решено вообще. Так, например, осталось непонятным, как проживший четыре сотни лет предводитель мог скрывать, что он клон седьмого поколения, от подавляющего числа граждан города-государства. И это при том, что изображения его неменяющейся столетиями физиономии развешаны на каждом углу. С этой точки зрения куда как убедительнее смотрится «Остров» Майкла Бея с Ивэном МакГрегором и Скарлетт Йоханссон в главных ролях.
Впрочем, обязательную программу «Эон Флакс» всё-таки выполнила. Технологические новинки будущего смотрятся интересно, спецэффекты выглядят гармонично и не лезут из всех щелей, как бельё из никак не закрывающегося чемодана. В общем, головной боли, как во вреям третьей «Матрицы» вы, скорее всего, не почувствуете. Ну а фанаты Шарлиз Терон могут быть уверенными, что разок другой Драйберг позволит полюбоваться крупным планом филейной части их любимицы. Этот необходимый минимум был выполнен без особых проблем.
НЕОБХОДИМЫЙ МИНИМУМ И НИЧЕГО БОЛЬШЕ
Социальная фантастика в кино существовала во все время, но, пожалуй, именно в последние пять лет этот жанр достиг своего расцвета, как по количеству выходящих на экране кинотеатров картин, так и по объёмам вкладываемых средств. Серьёзную конкуренцию модному направлению могут составить разве что комиксы, с конца предыдущего века также достигшие широкого размаха с точки зрения популярности и спроса. «Эон Флакс» – очередной фантастический фильм без привлечения космических кораблей и восставших роботов, но с участием «совершенного» общества будущего в полном составе. Как и все прочие, с претензией на оригинальность. Однако каждый раз внести что-то радикально новое становится всё более и более сложно. Существенные различия наблюдаются, пожалуй, только в уровне режиссуры, складности однотипных сюжетов и в каких-то мелких деталях. А вот спецэффекты с применением самых последних технологии – дело совершенно обыденное.
Произведение начинающего режиссёра Карина Кусамы, разумеется, в плане графики ничем своим предшественникам не уступает. Во многом благодаря сильной работе куда более опытного оператора Стюарта Драйберга. Особенной похвалы он заслуживает за умение в равной степени красиво снимать как акробатические трюки, в большей степени сосредоточенные в первой трети фильма, так и технологические элементы, преобладающие после получаса. Это на самом деле большое искусство. Так как, например, коллеге Драйберга Луису Летерье в «Перевозчике» всевозможными прыжками и падениями блестяще удалось изобразить настоящий цирк, а вот вооружённые бои выглядели более просто. Но с другой стороны, до несправедливо незамеченного массами «Эквилибриума» режиссёра Курта Уиммера «Эон Флакс» тоже очень далеко. Сопоставимого уровня изящества Кусаме с Драйбергом достичь не удалось, равно как и хотя бы повторить революцию в огнестрельных битвах, надо полагать, ставших три года назад личной гордостью оператора Диона Биби. Впрочем, на мой взгляд, в большей степени в этом виноват режиссёр, в силу небольшого опыта не сумевший создать своего собственного уникального стиля. Пределом стилистики стала причёска Шарлиз Терон.
Зато Кусама, как и требуется в картине такого жанра, здорово изобразил несколько технологических новинок. Как никак, на дворе 25-й век, так что без прогресса обойтись не могло. Отзывающиеся на свист шарики, складная винтовая лестница и, самое главное, вторая пара рук вместо ног для повышенной проходимости сложных боевых участков заставляют закрыть глаза на отсутствие внятной концепции общего дизайна. Но есть и такие моменты, от которых становилось почти дурно. Речь о пистолетах, позаимствованных из арсенала Бэтмена и трогательной прощальной для хранителя ДНК сцены, под копирку слизанная с «Уличного Бойца», который в свою очередь и сам ещё в 1994 году был очень добротным подбором приторных банальностей. Впрочем, будучи откровенно честным, можно вообще сказать, что «Эон Флакс» разваливается на отдельные куски, оставляет много вопросов и не смотрится целостной картиной.
Хотя за отсутствие необходимого для зрителя количества ответов пинать следует сценаристов, коих по модной нынче тенденции набралось трое. В знак протеста против бестолкового перебора пишущих сотрудников не стану перечислять их фамилии, потому как всегда нахожусь в затруднительном положении, если очередную строчку надо целиком отдать под длинный перечень имён. Центральная идея сценария, которая может быть описана в двух предложениях, получилась неожиданной и интересной. А вот отношение к создавшейся ситуации ряда главных персонажей вызывает некоторый скепсис, потому как в ряде эпизодов всё могло быть решено значительно проще, в то время как в некоторых других не могло быть решено вообще. Так, например, осталось непонятным, как проживший четыре сотни лет предводитель мог скрывать, что он клон седьмого поколения, от подавляющего числа граждан города-государства. И это при том, что изображения его неменяющейся столетиями физиономии развешаны на каждом углу. С этой точки зрения куда как убедительнее смотрится «Остров» Майкла Бея с Ивэном МакГрегором и Скарлетт Йоханссон в главных ролях.
Впрочем, обязательную программу «Эон Флакс» всё-таки выполнила. Технологические новинки будущего смотрятся интересно, спецэффекты выглядят гармонично и не лезут из всех щелей, как бельё из никак не закрывающегося чемодана. В общем, головной боли, как во вреям третьей «Матрицы» вы, скорее всего, не почувствуете. Ну а фанаты Шарлиз Терон могут быть уверенными, что разок другой Драйберг позволит полюбоваться крупным планом филейной части их любимицы. Этот необходимый минимум был выполнен без особых проблем.
0
РецензияАлександра Калугина
В мире животных
«Вы не боитесь темноты… Вы будете ее бояться!». Кромешная тьма, замкнутое пространство, клаустрофобия сужающихся в бесконечность туннелей, чудовищный лабиринт хитроумно переплетенных пещер и что-то еще — затаившееся в подземном мраке нечто, наблюдающее за тобой, выжидая удобного момента для нападения. Не такие ли страхи переживал в детстве каждый из нас, оставшись наедине со своими мыслями в безмолвной тишине ночной комнаты?
Английский режиссер Нил Маршалл пытается заставить взрослого зрителя снова пережить этот давно забытый панический страх перед темнотой и неизвестностью, скрывающейся в ней. При этом сама тема подземных злоключений людей, которые, будучи отрезанными от внешнего мира, забывают о своих человеческих качествах, опускаясь до животных инстинктов, уже затрагивалась в британском кинематографе. В 2001 году на экраны выходил фильм «Яма» — жуткая история о компании подростков, оказавшихся запертыми в заброшенном бункере военных времен.
Однако Нил Маршалл, начав «Спуск» как напряженный триллер, явно не захотел ограничиваться строгими рамками этого жанра и снял что-то очень напоминающее одну из страшных пионерских историй, рассказанных перед сном в летнем лагере.
Шесть бесподобных красоток по непонятным причинам избегающих мужской компании на отдыхе, спускаются в неисследованную пещеру, дабы получить свою долю экстрима на весь последующий год. О том, что в подземелье сие еще не ступала нога человека, знает лишь одна из скалолазок, мудро скрывая этот факт от других своих подруг. Но даже она не имеет понятия, что на самом деле поджидает их в темных лабиринтах известковых ходов, никогда не видевших света. В этих природно-каменных условиях обитает особая форма жизни, неизвестная науке, но почему-то очень напоминающая всеми любимого Горлума из небезызвестной трилогии Питера Джексона. Только в отличие от последнего, интересовавшегося исключительно ювелирными изделиями определенного рода, подземных тварей из «Спуска» привлекают больше всего заблудившиеся девушки, причем совсем не в сексуальном плане, а скорее в… кулинарном. Но главную опасность для девушек представляют даже не обитатели пещеры, а их собственные тайны, которые, постепенно всплывая на поверхность, превращают героинь в таких же кровожадных монстров, готовых убивать за былые обиды.
«Спуск» — это вторая полнометражная картина Нила Маршалла. Напряженная давящая атмосфера, декорации, практически неотличимые от настоящей пещеры, и, конечно же, сами монстры, которых в отличие от компьютерных голливудских горлумов, сыграли живые актеры, героически выдерживая многокилограммовые слои грима — возможно, что все это действительно заставит вас бояться темноты.
В мире животных
«Вы не боитесь темноты… Вы будете ее бояться!». Кромешная тьма, замкнутое пространство, клаустрофобия сужающихся в бесконечность туннелей, чудовищный лабиринт хитроумно переплетенных пещер и что-то еще — затаившееся в подземном мраке нечто, наблюдающее за тобой, выжидая удобного момента для нападения. Не такие ли страхи переживал в детстве каждый из нас, оставшись наедине со своими мыслями в безмолвной тишине ночной комнаты?
Английский режиссер Нил Маршалл пытается заставить взрослого зрителя снова пережить этот давно забытый панический страх перед темнотой и неизвестностью, скрывающейся в ней. При этом сама тема подземных злоключений людей, которые, будучи отрезанными от внешнего мира, забывают о своих человеческих качествах, опускаясь до животных инстинктов, уже затрагивалась в британском кинематографе. В 2001 году на экраны выходил фильм «Яма» — жуткая история о компании подростков, оказавшихся запертыми в заброшенном бункере военных времен.
Однако Нил Маршалл, начав «Спуск» как напряженный триллер, явно не захотел ограничиваться строгими рамками этого жанра и снял что-то очень напоминающее одну из страшных пионерских историй, рассказанных перед сном в летнем лагере.
Шесть бесподобных красоток по непонятным причинам избегающих мужской компании на отдыхе, спускаются в неисследованную пещеру, дабы получить свою долю экстрима на весь последующий год. О том, что в подземелье сие еще не ступала нога человека, знает лишь одна из скалолазок, мудро скрывая этот факт от других своих подруг. Но даже она не имеет понятия, что на самом деле поджидает их в темных лабиринтах известковых ходов, никогда не видевших света. В этих природно-каменных условиях обитает особая форма жизни, неизвестная науке, но почему-то очень напоминающая всеми любимого Горлума из небезызвестной трилогии Питера Джексона. Только в отличие от последнего, интересовавшегося исключительно ювелирными изделиями определенного рода, подземных тварей из «Спуска» привлекают больше всего заблудившиеся девушки, причем совсем не в сексуальном плане, а скорее в… кулинарном. Но главную опасность для девушек представляют даже не обитатели пещеры, а их собственные тайны, которые, постепенно всплывая на поверхность, превращают героинь в таких же кровожадных монстров, готовых убивать за былые обиды.
«Спуск» — это вторая полнометражная картина Нила Маршалла. Напряженная давящая атмосфера, декорации, практически неотличимые от настоящей пещеры, и, конечно же, сами монстры, которых в отличие от компьютерных голливудских горлумов, сыграли живые актеры, героически выдерживая многокилограммовые слои грима — возможно, что все это действительно заставит вас бояться темноты.
0
РецензияАлександра Калугина
Балканский трагифарс
Очередная черная комедия, снятая на Балканском полуострове, не имеет на сей раз никакого отношения к Эмиру Кустурице. Однако свойственное его фильмам сочетание безудержного веселья, доходящего до абсурда, с трагической и безысходной реальностью присутствует и в фильме «Бал-кан-кан».
Главный герой — убежденный пацифист, в жизни которого все самые важные события почему-то происходят одновременно с военными действиями в мире. Когда же война приходит на его собственную улицу, а заботливые соседи приносят ежедневно повестки в армию, Трендафил, недолго думая, решается бежать из страны, прихватив с собой заботливую женушку и маразматичную тещу. Все неприятности начинаются тогда, когда где-то по дороге в Болгарию теща умирает то ли от жары, то ли от глубокого презрения к пацифистским взглядам своего зятя. А уже мертвая она умудряется еще и пропасть в неизвестном направлении вместе с ковром, в который заботливый Трендафил завернул ее бездыханное тело. Опечаленный то ли пропажей ковра за несколько евро, то ли потерей тещи, главный герой отправляется в полное опасностей путешествие, дабы вернуть и то, и другое. Вместе со своим двоюродным братом, специально приехавшим из Рима, ему предстоит исколесить все страны Балканского полуострова, входившие когда-то в состав Югославии.
Уморительная до слез, трогательная до слез, удручающая до слез трагикомедия македонского режиссера Дарко Митриевски вслед за «Подпольем» Кустурицы затрагивает ностальгические нотки, сожалея о безвозвратно ушедшей в прошлое стране, единый народ которой не так давно почему-то разделился и убивает друг друга, не щадя ни женщин, ни детей.
Но фильм остается абсолютно аполитичным, а режиссер поднимает скорее общечеловеческие проблемы, тонко балансируя на грани между абсурдистским фарсом и жизненной драмой. При этом все-таки драмы больше. Коррумпированные мелкие бюрократы, лишенные всяческого уважения к покойному и сострадания к его родственникам, даже за деньги не выдают разрешения на человеческие похороны. Жители деревни, не сумевшие мирно поделить ее пополам, истребляют друг друга так же легко, как за минуту до этого вместе сидели за одним столом. Бандиты, пользуясь своей безнаказанностью в военное время, наживаются на торговле внутренними органами детей.
Так или иначе, война в наше время — это не политика, а коммерция, в которой ни в чем не повинные люди гибнут, зарабатывая деньги для ее «акционеров» — тех, кто продает оружие, кто покупает людей в рабство, для кого человеческая жизнь оценивается в n-ное число евро.
А ведь когда-то это была страна. И называлась она Югославия.
Балканский трагифарс
Очередная черная комедия, снятая на Балканском полуострове, не имеет на сей раз никакого отношения к Эмиру Кустурице. Однако свойственное его фильмам сочетание безудержного веселья, доходящего до абсурда, с трагической и безысходной реальностью присутствует и в фильме «Бал-кан-кан».
Главный герой — убежденный пацифист, в жизни которого все самые важные события почему-то происходят одновременно с военными действиями в мире. Когда же война приходит на его собственную улицу, а заботливые соседи приносят ежедневно повестки в армию, Трендафил, недолго думая, решается бежать из страны, прихватив с собой заботливую женушку и маразматичную тещу. Все неприятности начинаются тогда, когда где-то по дороге в Болгарию теща умирает то ли от жары, то ли от глубокого презрения к пацифистским взглядам своего зятя. А уже мертвая она умудряется еще и пропасть в неизвестном направлении вместе с ковром, в который заботливый Трендафил завернул ее бездыханное тело. Опечаленный то ли пропажей ковра за несколько евро, то ли потерей тещи, главный герой отправляется в полное опасностей путешествие, дабы вернуть и то, и другое. Вместе со своим двоюродным братом, специально приехавшим из Рима, ему предстоит исколесить все страны Балканского полуострова, входившие когда-то в состав Югославии.
Уморительная до слез, трогательная до слез, удручающая до слез трагикомедия македонского режиссера Дарко Митриевски вслед за «Подпольем» Кустурицы затрагивает ностальгические нотки, сожалея о безвозвратно ушедшей в прошлое стране, единый народ которой не так давно почему-то разделился и убивает друг друга, не щадя ни женщин, ни детей.
Но фильм остается абсолютно аполитичным, а режиссер поднимает скорее общечеловеческие проблемы, тонко балансируя на грани между абсурдистским фарсом и жизненной драмой. При этом все-таки драмы больше. Коррумпированные мелкие бюрократы, лишенные всяческого уважения к покойному и сострадания к его родственникам, даже за деньги не выдают разрешения на человеческие похороны. Жители деревни, не сумевшие мирно поделить ее пополам, истребляют друг друга так же легко, как за минуту до этого вместе сидели за одним столом. Бандиты, пользуясь своей безнаказанностью в военное время, наживаются на торговле внутренними органами детей.
Так или иначе, война в наше время — это не политика, а коммерция, в которой ни в чем не повинные люди гибнут, зарабатывая деньги для ее «акционеров» — тех, кто продает оружие, кто покупает людей в рабство, для кого человеческая жизнь оценивается в n-ное число евро.
А ведь когда-то это была страна. И называлась она Югославия.
0
РецензияСофьи Петровой
Петрова Софья
Фильм Алексея Прошкина, конечно, не дотягивает до уровня «Декамерона» Бокаччо, впрочем, у него и нет такой цели. Формальности соблюдены: три раза за всю картину в темной комнате после отбоя новобранцы солдаты рассказывают друг другу истории, часто преувеличивая и завираясь. Выразительно и художественно. На дворе 1993 год, скоро наши войска войдут в Чечню, между тем, армейскую часть, затерянную на просторах России, особо не волнуют боевые действия. Немного помешанный и контуженный после Афгана старший лейтенант пугает весь поселок, один солдат соблазняет обеих дочек командира военного городка, другой – влюблен в жену «любителя магнитных волн» того самого старшего лейтенанта, ворует для неё цветы и дарит помидоры. Все бы ничего, да вот только повесился тут один: рядовой Хаитов. И началось. Призраки, страх, витающий над городком, сумасшествие, любовь, добровольцы и страшные лесные звери. И «дух рядового Хаитова» в придачу.
В «Солдатском декамероне» есть и яркие детали, подчеркивающие абсурд и плохо устроенный казарменный быт, что рядовых солдат, что семейных офицеров. Есть облупившаяся штукатурка, подтеки на стенах, треснувший чайник, неотапливаемый пост дежурного, скрипящие кровати-сетки. Есть пара подсказок, по которым можно вычислить время действия в фильме. По телевизору говорят о Джохаре Дудаеве, в финале идет снег, а часть отправляются в Чечню – со скукой и мирным бытом покончено. Их идеализм не заканчивается, они идя на войну, по-прежнему рассматривают фотографии невест и просто знакомых красивых женщин. Зритель знает, что ждет этих симпатичных парней, солдат и командиров. Таким образом режиссер просто меняет общую интонацию гэга и шутки и зритель покидает зал не в столь благодушном настроении, с каким смотрел фильм.
Между тем, настроение это почти ностальгическое, уж слишком сильно фильм привязан к реалиям начала 90-х. В отличие от «Жмурок» фильм Прошкина как будто снят десять лет назад, в нем нет спецэффектов, клипового монтажа, актеров – звезд сегодняшнего дня, круговых съемок, и как ни смешно это прозвучит, в фильме нет Константина Хабенского.
“Солдатский декамерон” вопреки названию отнюдь не напоминает комик-трилогию о пьянстве и гульбе в армии под названием “ДМБ”, хотя воинскую часть и здесь, понятно, сотрясают буйные романы и тайные влюбленности. Но этот фильм рассказывает не только о любовных драмах, но и о скуке и тоске провинциальной воинской жизни и о том, что именуется “предчувствием войны”.
Петрова Софья
Фильм Алексея Прошкина, конечно, не дотягивает до уровня «Декамерона» Бокаччо, впрочем, у него и нет такой цели. Формальности соблюдены: три раза за всю картину в темной комнате после отбоя новобранцы солдаты рассказывают друг другу истории, часто преувеличивая и завираясь. Выразительно и художественно. На дворе 1993 год, скоро наши войска войдут в Чечню, между тем, армейскую часть, затерянную на просторах России, особо не волнуют боевые действия. Немного помешанный и контуженный после Афгана старший лейтенант пугает весь поселок, один солдат соблазняет обеих дочек командира военного городка, другой – влюблен в жену «любителя магнитных волн» того самого старшего лейтенанта, ворует для неё цветы и дарит помидоры. Все бы ничего, да вот только повесился тут один: рядовой Хаитов. И началось. Призраки, страх, витающий над городком, сумасшествие, любовь, добровольцы и страшные лесные звери. И «дух рядового Хаитова» в придачу.
В «Солдатском декамероне» есть и яркие детали, подчеркивающие абсурд и плохо устроенный казарменный быт, что рядовых солдат, что семейных офицеров. Есть облупившаяся штукатурка, подтеки на стенах, треснувший чайник, неотапливаемый пост дежурного, скрипящие кровати-сетки. Есть пара подсказок, по которым можно вычислить время действия в фильме. По телевизору говорят о Джохаре Дудаеве, в финале идет снег, а часть отправляются в Чечню – со скукой и мирным бытом покончено. Их идеализм не заканчивается, они идя на войну, по-прежнему рассматривают фотографии невест и просто знакомых красивых женщин. Зритель знает, что ждет этих симпатичных парней, солдат и командиров. Таким образом режиссер просто меняет общую интонацию гэга и шутки и зритель покидает зал не в столь благодушном настроении, с каким смотрел фильм.
Между тем, настроение это почти ностальгическое, уж слишком сильно фильм привязан к реалиям начала 90-х. В отличие от «Жмурок» фильм Прошкина как будто снят десять лет назад, в нем нет спецэффектов, клипового монтажа, актеров – звезд сегодняшнего дня, круговых съемок, и как ни смешно это прозвучит, в фильме нет Константина Хабенского.
“Солдатский декамерон” вопреки названию отнюдь не напоминает комик-трилогию о пьянстве и гульбе в армии под названием “ДМБ”, хотя воинскую часть и здесь, понятно, сотрясают буйные романы и тайные влюбленности. Но этот фильм рассказывает не только о любовных драмах, но и о скуке и тоске провинциальной воинской жизни и о том, что именуется “предчувствием войны”.
0
РецензияСофьи Петровой
Убить иль не убить, - вот в чем вопрос
Параноидальная мысль о том, что где-то я уже этот фильм видела не покидает меня все время просмотра. На самом деле, что-то подобное уже было и в «Малхоланд Драйв», и в «Убить Билла», и в «Городе грехов». Между тем, все вначале безобидно, такой вполне себе мейнстримовский американский фильм. Только вот забывать о том, что режиссер его – Кроненберг, не стоит. В начале своей карьеры режиссер снимал фильмы о мутации: его персонажи в прямом смысле мутировали в стулья и насекомых. Сейчас они из тихих американцев, жителей заштатного городишки превращаются в людей, способных на жестокость, на убийство, - в профессиональных киллеров.
Главный герой Том Столл, абсолютно «свой» в провинциальном американском городке, владеет закусочной, разливает кофе давно знакомым посетителям, обменивается с ними фразой - другой, дома его ждут замечательные дети и красотка жена. Но вот однажды злобные бандиты врываются в кафетерий и жизнь героя круто поворачивает, вернее даже съезжает на обочину. Она раскалывается на две половины: до и после ограбления, до и после раскрытия тайны Тома. Столл убивает обоих злодеев, при этом проявив удивительный героизм. Он становится знаменитостью, возле его дома дежурят репортеры, он устало отмахивается от них, ну совсем как голливудская звезда. Только вот с журналистами появляются ещё и гангстеры. Некая черная машина с тонированными стеклами: «на такой ездят или бандиты, или русские». А дальше начинается соревнование Кроненберга с Тарантино, Линчем и Родригесом…
Насилие и жестокость, по Кроненбергу, вынужденная необходимость. Это может как болезнь заражать других людей, передаваться по наследству сыну, влиять на жену. Кроненберг – врач, вернее патологоанатом, он вскрывает души людей и копается в них, но никогда не лечит. Его юмор мрачноват и тяжел, так шутят гробовщики и люди, идущие на расстрел, когда замечают, что одно из десяти ружей, направленных на них не заряжено (остальные девять то все равно выстрелят).
Начав соревнование с Тарантино во второй части картины, Кроненберг из триллера превратит фильм в черную комедию, фарс, он сделает «Оправданную жестокость» похожей на «Бешеных псов». Только вот смех здесь не уместен, хочется принять позу человека в падающем самолете, зажмуриться и очнуться в буколическом раю.
Убить иль не убить, - вот в чем вопрос
Параноидальная мысль о том, что где-то я уже этот фильм видела не покидает меня все время просмотра. На самом деле, что-то подобное уже было и в «Малхоланд Драйв», и в «Убить Билла», и в «Городе грехов». Между тем, все вначале безобидно, такой вполне себе мейнстримовский американский фильм. Только вот забывать о том, что режиссер его – Кроненберг, не стоит. В начале своей карьеры режиссер снимал фильмы о мутации: его персонажи в прямом смысле мутировали в стулья и насекомых. Сейчас они из тихих американцев, жителей заштатного городишки превращаются в людей, способных на жестокость, на убийство, - в профессиональных киллеров.
Главный герой Том Столл, абсолютно «свой» в провинциальном американском городке, владеет закусочной, разливает кофе давно знакомым посетителям, обменивается с ними фразой - другой, дома его ждут замечательные дети и красотка жена. Но вот однажды злобные бандиты врываются в кафетерий и жизнь героя круто поворачивает, вернее даже съезжает на обочину. Она раскалывается на две половины: до и после ограбления, до и после раскрытия тайны Тома. Столл убивает обоих злодеев, при этом проявив удивительный героизм. Он становится знаменитостью, возле его дома дежурят репортеры, он устало отмахивается от них, ну совсем как голливудская звезда. Только вот с журналистами появляются ещё и гангстеры. Некая черная машина с тонированными стеклами: «на такой ездят или бандиты, или русские». А дальше начинается соревнование Кроненберга с Тарантино, Линчем и Родригесом…
Насилие и жестокость, по Кроненбергу, вынужденная необходимость. Это может как болезнь заражать других людей, передаваться по наследству сыну, влиять на жену. Кроненберг – врач, вернее патологоанатом, он вскрывает души людей и копается в них, но никогда не лечит. Его юмор мрачноват и тяжел, так шутят гробовщики и люди, идущие на расстрел, когда замечают, что одно из десяти ружей, направленных на них не заряжено (остальные девять то все равно выстрелят).
Начав соревнование с Тарантино во второй части картины, Кроненберг из триллера превратит фильм в черную комедию, фарс, он сделает «Оправданную жестокость» похожей на «Бешеных псов». Только вот смех здесь не уместен, хочется принять позу человека в падающем самолете, зажмуриться и очнуться в буколическом раю.
0
РецензияФедора Хром
МОДА НА СПЯЩИХ КРАСАВИЦ
На смену молодёжным комедиям, классикой которых стал «Американский Пирог», и многочисленным пародиям, с выделяющимся на фоне остальных «Очень Страшным Кино», в последнее время приходят комедии романтические. Не то что бы этот жанр был совсем уж забыт, но и особого шума с прошлого века не вызывал – мода была не та. Одним из исключений стал вышедший прошлой зимой «Метод Хитча», но и этим релиз во многом обязан Уиллу Смиту, сыгравшую в нём главную роль. Однако то ли производители пытаются подстроиться под изменившийся спрос, то ли режиссёрам надоело рассказывать о проблемах подростков на сексуальной почве – времена меняются. В ноябре экраны кинотеатров подарил нам целый блок романтических приключений с улыбкой на лице. Среди них и картина Марка Уотерса «Между Небом и Землёй» с Риз Уизерспун и Марком Руффало в главных ролях.
За время определённого ухода романтических комедий в тень их рецепт особых изменений не претерпел: одна влюблённая или ещё не влюблённая, но по логике сюжета стремящаяся таковой стать пара и куча различных житейских проблем – смешать, но не взбалтывать. В сравнении же с подростковыми картинами это означает следующее:
• вместо бесконечного потока колкостей разного качества – всего десяток-другой шуток, но зато очень добротных;
• более интересные, но менее уморительные сюжеты;
• заметные актёры и более высокое значение грамотной режиссуры;
• и главное: меньше секса без романтики и больше романтики без секса.
В самой полной мере всё вышеперечисленное применимо к «Между Небом и Землёй». Сюжет, написанный Марком Леви, Питером Толаном и Лесли Диксоном не только не является примитивным упорядоченным набором глупых ситуаций с постоянно попадающими впросак людьми, но даже затрагивает сложный вопрос искусственного продления жизни, что изрядно придаёт фильму основательности. Ценно, что при этом картина не стала занудной и банальной, на что, впрочем, при наличии сценаристов «Аферы Томаса Крауна» и «Миссис Даутфайр» можно и нужно было рассчитывать. Ну а по изяществу и силе преподнесения острой социальной проблемы даже рискну поставить этот фильм в один ряд с «Жизнью Дэвида Гейла», пускай их жанры и не имеют ничего общего.
Очень уверенно выглядят актёры. Об игре Уизерспун можно сказать только хорошее. Все переживания неимоверно точно отражаются её мимикой. А ведь нет ничего более необходимого для романтического фильма, чем трогательное женское лицо во время неприятностей! По всем законам жанра никакого секса с Руффало у Уизесрспун нет. Пусть это и объясняется одним лишь только её бестелесным существованием, но правило романтики без секса выполнено. Типичная история про Спящую Красавицу, где предел того, на что может рассчитывать принц – волшебный поцелуй ближе к концу сказки. Остаются, конечно, вопросы, почему девушка, проходящая сквозь дверцы автомобиля и спокойно стоящая посреди стола, как в горизонтальной, так и в вертикальной плоскости, оказывается способной сидеть на лавочке в парке, но это уже детали, на которые можно не обращать внимание.
МОДА НА СПЯЩИХ КРАСАВИЦ
На смену молодёжным комедиям, классикой которых стал «Американский Пирог», и многочисленным пародиям, с выделяющимся на фоне остальных «Очень Страшным Кино», в последнее время приходят комедии романтические. Не то что бы этот жанр был совсем уж забыт, но и особого шума с прошлого века не вызывал – мода была не та. Одним из исключений стал вышедший прошлой зимой «Метод Хитча», но и этим релиз во многом обязан Уиллу Смиту, сыгравшую в нём главную роль. Однако то ли производители пытаются подстроиться под изменившийся спрос, то ли режиссёрам надоело рассказывать о проблемах подростков на сексуальной почве – времена меняются. В ноябре экраны кинотеатров подарил нам целый блок романтических приключений с улыбкой на лице. Среди них и картина Марка Уотерса «Между Небом и Землёй» с Риз Уизерспун и Марком Руффало в главных ролях.
За время определённого ухода романтических комедий в тень их рецепт особых изменений не претерпел: одна влюблённая или ещё не влюблённая, но по логике сюжета стремящаяся таковой стать пара и куча различных житейских проблем – смешать, но не взбалтывать. В сравнении же с подростковыми картинами это означает следующее:
• вместо бесконечного потока колкостей разного качества – всего десяток-другой шуток, но зато очень добротных;
• более интересные, но менее уморительные сюжеты;
• заметные актёры и более высокое значение грамотной режиссуры;
• и главное: меньше секса без романтики и больше романтики без секса.
В самой полной мере всё вышеперечисленное применимо к «Между Небом и Землёй». Сюжет, написанный Марком Леви, Питером Толаном и Лесли Диксоном не только не является примитивным упорядоченным набором глупых ситуаций с постоянно попадающими впросак людьми, но даже затрагивает сложный вопрос искусственного продления жизни, что изрядно придаёт фильму основательности. Ценно, что при этом картина не стала занудной и банальной, на что, впрочем, при наличии сценаристов «Аферы Томаса Крауна» и «Миссис Даутфайр» можно и нужно было рассчитывать. Ну а по изяществу и силе преподнесения острой социальной проблемы даже рискну поставить этот фильм в один ряд с «Жизнью Дэвида Гейла», пускай их жанры и не имеют ничего общего.
Очень уверенно выглядят актёры. Об игре Уизерспун можно сказать только хорошее. Все переживания неимоверно точно отражаются её мимикой. А ведь нет ничего более необходимого для романтического фильма, чем трогательное женское лицо во время неприятностей! По всем законам жанра никакого секса с Руффало у Уизесрспун нет. Пусть это и объясняется одним лишь только её бестелесным существованием, но правило романтики без секса выполнено. Типичная история про Спящую Красавицу, где предел того, на что может рассчитывать принц – волшебный поцелуй ближе к концу сказки. Остаются, конечно, вопросы, почему девушка, проходящая сквозь дверцы автомобиля и спокойно стоящая посреди стола, как в горизонтальной, так и в вертикальной плоскости, оказывается способной сидеть на лавочке в парке, но это уже детали, на которые можно не обращать внимание.
0
РецензияФедора Хром
ГРОМ НА СКОРУЮ РУКУ
Путешествия во времени – одно из самых популярных направлений в кинематографической фантастике. Фильмов на эту тему снято превеликое множество, да и разнообразие жанров велико: от приключенческих комедий в духе «Назад в Будущее» до триллеров, как например «Терминатор». Впрочем, объясняется такой интерес киношников к вопросам времени, не столько желанием внести свой вклад в исследование этого по-настоящему интересного научного вопроса, сколько возможностью сравнительно легко и быстро получить приличный сюжет. Киборги сегодня или рок-н-ролл в начале 50-х – одного этого почти всегда было достаточно для того, чтобы зритель не покидал кинотеатры раньше времени. Однако современный кинолюбитель чего уже только не видел, так что одной только машиной времени его не проймёшь…
Увы, кроме разговаривающего приятным женским голосом агрегата, у взявшегося за «И Грянул Гром» Питера Хайамса ничего не нашлось. В первую очередь проблема связана с бюджетом. На потенциально очень масштабный проект продюсеры выдали «всего» полсотни миллионов долларов, что по нынешним меркам для фантастики, мягко говоря, немного. Особенно для фильма про будущее, в котором путешествуют в прошлое и создают другое настоящее: в конце концов, все футуристические транспортные средства и всех рептилий надо кропотливо создавать с помощью компьютерной графики, что, как раз, основательных вложений и требует. А в результате получились образы, по качеству своему качеству больше похожие на те, что характерны для модных в последние годы анимаций: минимум резкости, минимум чёткости, попроще и побыстрее, так как снимать много, а денег нет.
Имея за плечами почти два десятка картин, а следовательно, обладая немалым опытом, Хайамс попытался выйти из ситуации за счёт каких-то ярких идей. Отчасти это ему удалось: помесь динозавра с гориллой смотрится сколь оригинально, столь и впечатляюще, ну а прогулка по тротуару города будущего со снующими на заднем плане автомобилями – вообще настоящая изюминка. Впрочем, не менее талантливо режиссёр сам всё и испортил. Невесть откуда резко появляющиеся и так же быстро в никуда исчезающие темы с полчищами жуков (отголоски «Мумии» не дают покоя Голливуду) и хищными растениями напоминают мазки художника, не знавшего, что сделать со своей ещё незаконченной картиной и в результате всё замаравшего несколькими неуверенными мазками. Главным же недостатком работы Хайамса следует назвать элементарное отсутствие глубины драматургии. Действие выглядит плоским и, порой, даже нелепым – никакого сочувствия у зрительского зала оно не вызывает.
Здесь, справедливости ради замечу, «подсобили» и актёры. Давно я не видел картины, где хотя бы даже один актёр не запомнился, если уж не внятной игрой, так хоть внешностью. Создаётся впечатление, что сэкономить создатели картины пытались даже на гримерах. Если прибавить ко всему вышесказанному распространённые в не продуманных до конца сценариях о путешествиях во времени ляпы с логикой и традиционные попытки психических учёных объяснить необъяснимое где-нибудь ближе к середине фильма, то получится, что гром грянул, как раз для Хайамса: ничего стоящего после этой работы режиссёру в ближайшее время, видимо, не предложат.
ГРОМ НА СКОРУЮ РУКУ
Путешествия во времени – одно из самых популярных направлений в кинематографической фантастике. Фильмов на эту тему снято превеликое множество, да и разнообразие жанров велико: от приключенческих комедий в духе «Назад в Будущее» до триллеров, как например «Терминатор». Впрочем, объясняется такой интерес киношников к вопросам времени, не столько желанием внести свой вклад в исследование этого по-настоящему интересного научного вопроса, сколько возможностью сравнительно легко и быстро получить приличный сюжет. Киборги сегодня или рок-н-ролл в начале 50-х – одного этого почти всегда было достаточно для того, чтобы зритель не покидал кинотеатры раньше времени. Однако современный кинолюбитель чего уже только не видел, так что одной только машиной времени его не проймёшь…
Увы, кроме разговаривающего приятным женским голосом агрегата, у взявшегося за «И Грянул Гром» Питера Хайамса ничего не нашлось. В первую очередь проблема связана с бюджетом. На потенциально очень масштабный проект продюсеры выдали «всего» полсотни миллионов долларов, что по нынешним меркам для фантастики, мягко говоря, немного. Особенно для фильма про будущее, в котором путешествуют в прошлое и создают другое настоящее: в конце концов, все футуристические транспортные средства и всех рептилий надо кропотливо создавать с помощью компьютерной графики, что, как раз, основательных вложений и требует. А в результате получились образы, по качеству своему качеству больше похожие на те, что характерны для модных в последние годы анимаций: минимум резкости, минимум чёткости, попроще и побыстрее, так как снимать много, а денег нет.
Имея за плечами почти два десятка картин, а следовательно, обладая немалым опытом, Хайамс попытался выйти из ситуации за счёт каких-то ярких идей. Отчасти это ему удалось: помесь динозавра с гориллой смотрится сколь оригинально, столь и впечатляюще, ну а прогулка по тротуару города будущего со снующими на заднем плане автомобилями – вообще настоящая изюминка. Впрочем, не менее талантливо режиссёр сам всё и испортил. Невесть откуда резко появляющиеся и так же быстро в никуда исчезающие темы с полчищами жуков (отголоски «Мумии» не дают покоя Голливуду) и хищными растениями напоминают мазки художника, не знавшего, что сделать со своей ещё незаконченной картиной и в результате всё замаравшего несколькими неуверенными мазками. Главным же недостатком работы Хайамса следует назвать элементарное отсутствие глубины драматургии. Действие выглядит плоским и, порой, даже нелепым – никакого сочувствия у зрительского зала оно не вызывает.
Здесь, справедливости ради замечу, «подсобили» и актёры. Давно я не видел картины, где хотя бы даже один актёр не запомнился, если уж не внятной игрой, так хоть внешностью. Создаётся впечатление, что сэкономить создатели картины пытались даже на гримерах. Если прибавить ко всему вышесказанному распространённые в не продуманных до конца сценариях о путешествиях во времени ляпы с логикой и традиционные попытки психических учёных объяснить необъяснимое где-нибудь ближе к середине фильма, то получится, что гром грянул, как раз для Хайамса: ничего стоящего после этой работы режиссёру в ближайшее время, видимо, не предложат.
0
ДВА В ОДНОМ.
«Надо было одновременно рассказывать две истории, - признается режиссер Клод Берри, - одну – почти трагическую, эмоциональную, а другую – практически водевильную. Но надеюсь, - добавляет он, - что мне удалось хорошо структурировать эти два сюжета и, в результате, получилось гармоничное сочетание». Это, как ни странно, не рекламный ход и не режиссерское бахвальство, а самая искренняя и наивная правда. Если что в фильме и сбивает с толку, и водит за нос совершенно безрезультатно, то только не эта «двухсюжетность». Больше того, от постоянного переключения повествования, практически по принципу «а в это время…», создается совершенно целостное, общее впечатление легкой, но при этом достаточно глубокой истории. Превосходный пример того, как целое порой не равно сумме составляющих. РазделИте фильм на два – и вы получите постылейшее зрелище: беспросветные мучения одного и непроходимая нерешительность другого. А так – практически «Осенний марафон», да в двойном объеме!
Однако от такого соседства, как оказалось, выиграл не только разукрашенный сюжет. Например, родилась и позитивная нотка, которая вряд ли так чисто зазвучала бы, будучи исполненной «соло»: если разобраться, то ни карамельное возвращение в семью одного персонажа, ни героический уход другого на зрительский катарсис не претендуют. Так в чем же фокус? Оказывается, в выборе, возможность которого щекочет и героев в их непростых отношениях, и нас, зрителей, которым еще в названии аккуратно намекнули, что «каждый выбирает для себя». Ну а тут уж, простите за излишнюю актуальность, все последующие неприятности только от одного: выбор надо делать. Так это ж героям надо, а зритель – счастливчик – получает сразу, как говорится, два в одном флаконе, тАя от отсутствия единого повествовательного центра и расплываясь во вдруг раскрывшихся возможностях.
Одно только беспокоит: режиссеру-то вполне удалось уловить баланс, но получится ли это у зрителя? Примет ли его затейливый гибрид веселого и грустного очертания драмы или так и останется несросшейся трагикомедией – зависит уже, пожалуй, только от ваших усилий.
Удачи вам!